Los días que me diste. 1975. Atrapada en la grisura

 

                                                                    

Una mujer madura, un marido desilusionado, dos hijos que se dedican a sus ocios. Los días que me diste (1975. Fernando Siró) nos acerca a la decisión de una mujer porteña que se rebela ante sus circunstancias. Amalia (Inda Ledesma) se siente enjaulada en una vida casi de sirvienta. Su vida es una rutina de grisuras cotidianas. Una amalgama de reiteraciones, repeticiones y monotonía vital, únicamente rotas por la visita dominical a su hermana. Amalia comienza a sentir que la verdadera libertad y el encuentro consigo misma se encuentran fuera de las opresivas paredes de su domicilio. Siente la lluvia, la libertad del cine, el cromático paseo por un mercado. Las pequeñas cosas que le obligan a comparar con sus usanzas en el domicilio conyugal.  En el mercado hay un joven carnicero llamado Juan (Arturo Puig) en quien comienza a encontrar esa luz interior que se apaga cuando traspasa el umbral de su domicilio. En esta relación nace la autoestima que no encuentra en su familia, el sentido de autoconocimiento y el amor que no consigue expresar en su ámbito diario.

Hay una certera radiografía del Buenos Aires setentero, capturando la realidad social de la época, recreando aquel momento histórico. El primer título que se iba a dar a la película era “Tardes Candentes”, pero las circunstancias sociales del país y la época llevaron a los responsables a abandonar este título. Se estrenó el 15 de julio de 1975, con vocación minimalista, pero con enormes interpretaciones que se apoyan en una eficiente banda sonora, especialmente la versión coral del tango “El último café”. El grupo Buenos Aires 8 añade con sus voces una pincelada magistral a la melancolía y amargura que impregna el guión. El amor tardío se ve reflejado en la mirada de Amalia, con escenas impregnadas de una vaga poesía nostálgica.  Inda Ledesma encontró el papel de su vida, y el único protagónico, ya que se veía relegada a personajes secundarios que no le permitían sacar todo su arsenal dramático. El texto del dramaturgo Julio Mauricio es un verdadero obsequio para la intérprete. El viaje iniciático desde la oscuridad de la reducida cocina de la mujer apagada hasta la luminosidad de la mirada durante el romance o al aullido interior del desenlace, todo es un obsequio para la actriz que alcanza instantes inolvidables. Verdadero fresco de una sociedad y una época. De la vida de barrio, del costumbrismo. Los colores en la ropa, los automóviles, el concepto familiar opresivo de un periodo diferente (y superado), dotan a Los días que me diste de una necesaria veracidad y sincera propuesta de documento histórico. Algunas de las localizaciones, como Constitución, ya no existen, absorbidas por la Autopista 9 de Julio Sur. Sí sobreviven el Pasaje Vieyra y el antiguo Mercado Roca. Para Amalia, esta relación supone una tregua en su vida monocromática, en la relación tóxica con un marido machista, un bálsamo para su soledad acompañada. Para una alienación que era compartida por las mujeres de aquella época. Por esto Amalia busca en ese vínculo amoroso clandestino, en ese amor prohibido, toda la percepción de sí misma como mujer que le niegan en un hogar donde tan solo es un objeto utilitario. Recupera la sonrisa, la ilusión, el pálpito para regresar a la tragedia cotidiana sin estridencias, sin la tragedia del melodrama al uso. El infierno está en el interior.

Fernando Siró consigue la traslación del texto teatral original de un modo sutil, injertando la palabra dentro de la narrativa visual y convirtiendo en cinematográfica la dramaturgia. La situación interior de la protagonista se refleja en el uso expresivo del espacio, con atmósferas cerradas y opresivas en los encuadres familiares que profetizan encierro, frente a la vida latente en el mercado, la vida que fluye en el barrio. Hay un pulso sobrio en la puesta en escena, huyendo de la hipérbole y la desmesura del melodrama clásico. La armazón dramática se sostiene sobre miradas sostenidas, silencios, esos gestos cotidianos que conforman la narrativa de la vida con sus frustraciones, sentimientos y postrimerías. El primer plano es otra de las armas visuales que utiliza para capturar la evolución del personaje principal, a ritmo de adagio, con tempo de cocción lenta. Amalia es como una crisálida que despierta del letargo entre los brazos del joven carnicero y cambia su forma de vestir, de peinarse, de quererse a sí misma. Desde las miradas perdidas y los hombros caídos, a la mujer radiante. Inda Ledesma regala una paleta de microexpresiones faciales donde muestra su frustración y represión emocional, donde se acumula el cansancio de los días. Camina encorvada, oprimida, marchita y se apoya más en el gesto que en las líneas de diálogo. El estoicismo del epílogo, con el mundo desmoronado a su alrededor es modélico. La compostura externa de Amalia, no victimizada por el director, adquiere una dignidad doliente. El instante en que se rompe el amor prohibido es magistral. La contención de la actriz, expresando únicamente con la mirada el vacío que llega a su vida, quizás porque temía la desmesura ya que venía del teatro independiente, destila mucha más amargura y desamparo que cualquier desgarro expresivo. Cuando regresa a su hogar, caminando por las calles de Buenos Aires, retorna el fatum. El cuerpo vuelve a encorvarse, la vitalidad se va apagando, los pasos son mecánicos. La cámara nos muestra como retorna al delantal, maquinalmente, ingresando a su anterior prisión vital.  Es una persona vacía por dentro. El destino le ofrece de nuevo la servidumbre y encarcela su dignidad. La contención gestual de la actriz es modélica, la doliente dignidad, desgarradora. La maquinaria de avasallamiento ha vuelto a poner en marcha sus engranajes, la deshumanización ha retornado. El encuadre asfixiante es la marca de la casa. Amalia ha despertado del espejismo y la anulación de la mujer se camufla tras la vuelta a la rutina doméstica. La sombra del determinismo planea sobre los últimos fotogramas. La única realidad es la aceptación estoica de la realidad en su profunda amargura.